Entrevista con Puce Mary; To Possess Is To Be In Control

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Frederikke Hoffmeier es la artista mejor conocida como Puce Mary, originaria de Dinamarca y residente en Los Ángeles, su trabajo se centra en la reorganización de instantes y discursos, la sobre producción de sonidos que denomina “negativos” almacenándolos hasta que uno positivo aparece,  después conjuga los demás intentos en un código que genera distintos ambientes a diferentes tiempos en distintos espacios, texturas que reaccionan a los estímulos de su propio micro-universo. Si bien siempre ha sido relacionada con el noise y el power electronics, el lanzamiento de The Drought (2018) para PAN Records abrió un público mucho más amplio para Hoffmeier. Su pasión por el cine y la música crearon los elementos precisos para construir su perfil, la primera parte de su nombre hace referencia a Puce Moment (1949), pieza dirigida por el director Kenneth Anger, desde ese momento inicia un viaje donde imagen y sonido sintonizan diferentes significantes.

“The Temptation to Exist”

1 – La estructura de tus piezas sugieren ser concebidas como complejas sonorizaciones del cine más experimental, es imposible cerrar los ojos y no atestiguar las imágenes que tus sonidos edifican ¿hay alguna relación entre tu música y la imagen en movimiento?

Interesante, me parece que en gran medida la música constructiva se conceptualiza como historia o imagen, yo trabajó sobre este tipo de relación, la búsqueda de combinar sonidos que funcionan en la manera en que se presentan y expanden, se trata de montar layers; en mi caso es imaginar una historia, incluso aunque no tenga escrita la letra o no cuente con ningún tipo de texto, la forma en la que el sonido se construye en mi cabeza es definitivamente como imaginar películas.

Soy una nerd del cine, veo películas constantemente y siempre estoy al pendiente de la relación imagen/sonido, o de lenguaje/diálogo o incluso personajes con diálogos no-hablados me han inspirado.

2- En POV también somos nerds del cine, ¿hay algúnx cineasta(s) que te hayan inspirado? 

Hay artistas que realmente han inspirado mi música, me parece que los más obvios son Bergman y Tarkovsky, pero también Maya Deren, quién además de su cine tiene muchos textos que me fascinaron. Michael Haneke es otro que me apasiona, por ejemplo “Caché”, ¿sabías que no tiene música? tuve que verla tres veces para darme cuenta de ese detalle.  

3- Estuviste en Ciudad de México, Veracruz y  Guadalajara, ¿cuál fue tu sentir al trabajar con el crew de 316 Centro en este tour por Centroamérica?

Me siento muy a gusto trabajando con ellos, ya que me ayudaron a organizar un show anterior y nos llevamos muy bien desde entonces. Fue una excelente idea crear 316, es un espacio perfecto en cuanto a estructura y capacidades de público, me agradan las pequeñas audiencias,y me gusta que no exista escenario para poder estar realmente cerca, la gente te rodea por todas partes, es mucho más personal.

La visita a Veracruz fue increíble, jamás había estado en un lugar como ese, fue como tocar en la jungla. Me pareció muy interesante, algunas personas estaban sentadas lo que fue un poco inusual para mi, en México los paisajes son increíbles, estoy muy emocionada por el show de Guadalajara, no sé realmente qué esperar. 

Antes de llegar a México toqué en Bogotá y después fui a Perú, realicé dos shows para Lima, posteriormente pude hacer el recorrido del “Valle Sagrado de los Incas”, que inicia en Pisac donde hay que tomar los camiones colectivos hasta Ollantaytambo que fue la última ciudad de lo Incas a donde los españoles llegaron.  Estuve consciente de que soy una turista viajando por lugares sagrados que fueron arruinados y devastados por gente de… tú sabes… Europa. 

Traté de viajar con el mayor respeto posible y me parece es un gran compromiso que se debe tener al visitar un lugar como ese o Machu Picchu, al que intentamos llegar pero no pudimos, era demasiado costoso, me parece muy irónico que de ser destruido por los Españoles se haya convertido en atracción turística que se traduce en generador económico para gente rica, ya sabes, no es como que el dinero regrese al pueblo, realmente tenía muchas ganas de ir pero no me gusta esa clase de negocio, así que lo deje pasar. 

No creo realmente en la historia que cuenta la gente que se encuentra en el poder pero… (risas) esa es otra conversación.

Puce Mary, Ciudad de México, 2019 / Foto: David Basilio

 

4 -Me parece que esta es la tercera vez que visitas México, recuerdo aquella vez en Terminal Club con Pharmakon y la noche en 316 Centro con Kali Malone, ¿cómo han sido estas tres distintas experiencias?

Tocar en Terminal fue una vibra totalmente distinta de la del 316 , pero al mismo tiempo estar con Kali es una experiencia y con Margaret otra, Pharmakon y yo somos muy cercanas a Kali, además de ser muy similares en formas muy diferentes, es algo interesante y lo mismo digo de Kali y Margaret, sus áureas musicales son completamente diversas y cuando tocas con gente como ellas las energías son mucho más intensas y las puedes aprovechar para tu propio show. Es importante tocar en distintos lugares, abrirse a distintas frecuencias y personas, aprender a trabajar con pequeñas comunidades, es muy agradable ver que en una ciudad tan grande como esta se estén trabajando diferentes propuestas.  

Puce Mary, Ciudad de México, 2019 / Foto: David Basilio

 

5- Dos de tus principales casas discográficas son Posh Isolation y PAN ¿cómo es trabajar con estos referentes de la música independiente global ? 

Fue muy distinto con ambas, Posh Isolation es una de las razones por las que me involucré seriamente en la música, ya tenía tiempo tocando pero con el sello fui capaz de realizar todas esas cosas que deseaba hacer y en la forma en la que quería hacerlas. Ellos iniciaron como un pequeño sello para dar salida a sus propias producciones, en esa época no había otros sellos de Industrial Noise en Dinamarca, así que lo decidieron hacer con el espíritu D.I.Y. y tuve la suerte de conocerlos en ese momento y de crear juntos esta pequeña comunidad fincada en el “hazlo tu mismo”. En el inicio nadie le prestó atención, nadie asistía a los shows, simplemente continuamos haciéndolo y eso significó algo muy especial para mí, aún siento que soy parte del sello aunque no esté editando nada con ellos, sus lanzamientos son muy diferentes de cuando empezaron y es algo que respeto.

Después conocí a Bill Kouligas y estuvimos hablando durante años de hacer un lanzamiento para PAN, era muy complicado para mí ya que sentía que Posh era mi hogar, había sacado material para sellos de noise en compilados en cassette y cosas similares, pero dedicarse a un disco completo lo hace más personal e involucra mucho más trabajo y de alguna manera oficializa todo. Lo que buscaba era hacer el disco correcto y cuando terminé “The Drought” me di cuenta de lo mucho que quería intentar algo totalmente diferente. 

PAN es un sello diferente, además respeto todo en lo que Bill está involucrado, entiendo bien que estamos hablando de música muy distinta, me encanta la cantidad de esfuerzo que Kouligas coloca en una sola cosa, definitivamente me permitió tener más exposición, aunque realmente no es algo que usualmente me importe, no estoy interesada en actuar para audiencias de cientos de personas, pero definitivamente me dio la oportunidad de llegar a más lugares.     

6 – Los discos SuccessPersona tienen covers idénticos, ¿hay alguna relación conceptual entre estas dos entregas? 

Sí lo hay, “Persona” es una continuación de “Success”, ninguno de los dos lo sentí terminado, pero quería lanzar aquella música, ya no sabía qué más podía hacer con ella… Los uní con las portadas para que pudieran ser como una pareja. El diálogo del filme “Persona” de Bergman y la idea de la relación entre dos entes donde la identidad se diluye no sabiendo quién es quién tienen mucho que ver con la letra que escribí para algunos pasajes de los álbumes. Se trata de una intensa lucha contra ti mismo que me resultó muy interesante en aquel entonces.  

7 –  ¿Cuál fue tu primer acercamiento al Noise y al Power Electronics

Cuando tenía 14 años asistí al Roskilde Festival para ver a David Bowie, es mi héroe y no me dejaban ir por la edad, en aquella ocasión mi padre me permitió asistir con mi hermano, había muchas bandas previas, entre esas Sonic Youth en la etapa donde lanzaban sus grabaciones más experimentales conocidas como SYR (Sonic Youth Records) y pude presenciar su acto con Merzbow. No sabía de la existencia del noise y mucho menos de Akita, así que cuando vi el performance me voló la cabeza. Ese fue mi primer acercamiento al género, pasaron tres años para volver a escuchar algo así, la reacción fue inmediata;  “mierda, eso suena a Merzbow”. 

Me salí de casa cuando tenía 16 y me moví con un chico que es un de mis mejores amigos, en aquel entonces escuchaba punk y hard core y al llegar con él pude sumergirme en su basta colección de Noise, Power Electronics, Black Metal y toda clase de sonidos extremos subterráneos, no comprendía muy bien de qué se trataba aquel sonido, pasamos horas devorando aquello. Fue él quien realmente me expuso a todo ese material, es como mi hermano mayor. Después comencé a presenciar más actos de noise, posteriormente a fabricarlo y a buscarme tocadas, estaba muy metida en ello, sabía que tenía que involucrarme en el tratamiento de cintas y en todas las formas en las que el noise sucede, me dejé llevar muy rápido, en seis meses ya estaba totalmente adentro, era lo mío.    

8- Tus lives son intensos y rompen las barreras entre público y escenario, ¿nos podrías contar sobre estas experiencias?

Me parece que muchxs que hacen este tipo de música hablan de un elemento catártico en ello, entiendo eso, pero creo que se puede extender mucho más, no es solo llevar las cosas al límite, es sentir junto con las cosas. Lo que yo busco en la experiencia de un concierto es ser una con el sonido y para que realmente suceda necesito conectarme con la gente a mi alrededor, porque sino lo hago, se puede desatar esa “entidad del disturbio”. No tengo idea de lo que está pensando la gente cuando esta viendo mi acto, jamás buscó forzar ningún tipo de significado con el público, tan solo es tener una conexión con  lo que está sucediendo. 

Puede ser muy diferente para cada individux, para mí lo vital es estar sumergida en el sonido, no creo que en mi caso exista la confrontación, ya que no estoy tratando de espantar a nadie, solo estoy tratando de compartir la intensidad de mi propia experiencia en el microuniverso donde se crea mi música.   

Puce Mary, Ciudad de México, 2019 / Foto: David Basilio

 

9- ¿Cuáles han sido las reacciones más inesperadas o interesantes de la gente durante tus presentaciones?

Hace más de 10 años estaba de tour con la banda punk Iceage, una noche estábamos en Glasgow, nadie pensaba tocar, así que fui y me conecté, fue simplemente POWER ELECTRONICS, ya sabes dos osciladores a todo y yo gritando, la gente se puso muy furiosa, realmente lo odiaron, me empezaron a lanzar botellas y decirme que me abriera a la verga, un tipo me gritaba “¿qué carajo es esa puta mierda?”, eran los inicios de Puce Mary, el performance era simple, solo trataba de ser un pedazo de mierda y de sacar a la gente de sus casillas, realmente funcionaba.   

Me parece que alguna vez vi llorando a alguien (risas), también me llegaron a dar un puñetazo en el rostro en mis primeros actos pero eso fue porque estaba siendo bastante agresiva, no era una directa provocación con la audiencia pero tú sabes, me aventaba y giraba en el suelo, alguien pensó que estaba iniciando una pelea y sucedió (risas).  

No siento que el power o el harsh tenga forzosamente que asociarse a este tipo de violencia, a pesar de que siempre esté presente el legado de la confrontación en el Power Electronics, principalmente toda esa escena de los ochenta, donde propuestas como Whitehouse o Club Moral hicieron cosas muy extremas, estos últimos son uno de mis sellos y proyectos favoritos de todos los tiempos. Me parece hay mucho más que eso.     

10- ¿Cómo construyes los planos y layers que nutren tus piezas, tienes alguna metodología para la composición? 

Tengo un par de métodos con los que trabajo,  la mayoría de mi obra inicia con la improvisación, me gusta crear a partir de algún seteo con mis máquinas que pueda replicar en vivo, cuando comienzo a componer se trata de mucha experimentación y me parece también mucha negatividad, de momento no lo hago debido al tour pero usualmente grabó todos los días y lo que va resultando son meses y meses de experiencias negativas, de intentos fallidos, esto no quiere decir que no cuente con control total sobre lo que hago y la manera en la que lo realizó, simplemente construyó bibliotecas de grabaciones y después las escucho, es donde logró disipar la niebla e identificar el corazón de la pieza , encontrar armonía y relacionar varias piezas y el porqué de ponerlas juntas.

Otras veces inició con un texto, escribo la letra y después voy descubriendo como suena, cuál es la mejor manera de ambientarlo, como si se tratará de un score para cine donde ya cuentas con imágenes y estás buscando que la música conviva sin quedar por encima, es algo similar pero con texto, tratar de que música y texto estén en balance. Tengo archivos de registros de los últimos diez años, ya que mi trabajo siempre tiene parábolas y conexiones, la más nueva con la más antigua. Cuando inicié a grabar usaba una de cuatro canales, no tenía computadora ni sabía cómo usarla y no tenía interés en hacerme de una, así que tengo todas estas cintas de aquellos años, siempre que las reviso retomo elementos, es el acto de citarme.     

Puce Mary, Ciudad de México, 2019 / Foto: David Basilio

 

11- ¿Te encuentras desarrollando nuevo material? 

Sí lo estoy. Realmente tenía casi todo listo con mis nuevas grabaciones, pero tuve personalmente un año muy duro, los últimos dos meses han sido cambios drásticos en mi vida, me mudé de Dinamarca a Los Ángeles, estoy descubriendo muchas cosas sobre mí y sobre lo que quiero y hacia donde tengo que llevar mi arte. Necesito sumergirme en el fondo de mis deseos, no me siento con claridad en estos momentos, sin embargo, me encuentro motivada para trabajar, así que no sé lo que resultará del material que he grabado previamente, supongo que buscaré convertirlo en dos lanzamientos y tal vez estas piezas representen el antes del descubrimiento que estoy tratando de tener.           

12- Hay un gran brecha entre The Great Panic (2014) y The Drought (2018), ¿eres consciente del crecimiento que existe entre estas dos entregas?

Sí, y estoy segura que el crecimiento viene de la constante experimentación en el estudio, la cosa es trabajar todo el tiempo, acercarse a tus intereses pero también a lo técnico y en cierto punto dejar de ser ingenua, aunque realmente esa ingenuidad da belleza a la juventud que crea música por primera vez, gran parte de eso me interesa al hacer música. Sabes, la música underground extrema se trata de la cultura juvenil, eres joven y suelta, y te dejas llevar por el punk y el hard core, luego llegas al noise y cosas por el estilo, la ingenuidad de aquello me parece muy hermosa. 

Es importante no aferrarse aquellas cosas, en mi caso, ahora soy adulta y aún siento excitación y esperanza, he visto a muchas personas envejecer y perder todo, también he conocido gente que hace este tipo de música y se detiene en cierto punto, y viven felices de haberse detenido, pero hay otros que se amargan y no apoyan la escena porque se trata de “gente nueva” y “las cosas deberían ser como antes”, y yo no quiero pertenecer a algo así, eso es parte de mi crecimiento. 

13- Tú más reciente lanzamiento fue la colaboración An Exploitative Version of Surrogacy (2019), ¿me podrías contar sobre el origen de este concepto? y de cómo fue la experiencia de colaborar con Francesco Leali.

Fue muy interesante porque no lo conocía, de hecho aún no lo conozco, teníamos muchas amistades en común, Francesco me contactó y me envió una pieza con sus grabaciones de chelo en el interior de una cueva en Italia, las había procesado a través de distintos tratamientos de reverb’s y distorsiones, la pieza que mandaba era bastante limpia a pesar de ya contar con muchos layers —por lo regular trato de escuchar todo lo que la gente me envía pero en muchas ocasiones me sobrepasa la cantidad de solicitudes— escuché su pieza por la cantidad de amistades mutuas y me dejó totalmente pasmada, era muy hermosa y me sentí emocionada. Me encontraba en Los Ángeles en aquel entonces, caminando en el interior de Elysian Park con mis grandes audífonos escuchando la pieza mientras buscaba una salida del paisaje de concreto, desde ese momento supe que quería trabajar con él. 

El disco fue el resultado de una colaboración por correo, le mandé algunos textos y lecturas y me respondió que le parecía interesante, platicamos sobre que parte podríamos dejar más silenciosa y hacer por ejemplo un fade que despierte percusiones que se acercan, estaba realmente nerviosa y preocupada por arruinar la pieza ya que por sí misma duraba quince minutos y era muy hermosa, en ocasiones su misma naturaleza me hacía cuestionarme ¿en verdad necesita algo más? (risas), pero al final encajó y resultó muy bien, hasta el día de hoy reconozco que la pieza original es muy buena, fue muy interesante y agradable colocar las dos versiones juntas.

Adoro hacer estas colaboraciones vía correo, para mi estar con alguien dentro del mismo cuarto y trabajar suele ser complicado en el inicio, no sabes qué rol te corresponde. Pero al recibir esta hermosa pieza musical y tratar de colaborar,  las ideas se me presentan de distinta forma, en mi caso es mucho más ideal continuar de este modo.

Me gusta trabajar bajo algunos principios del fluxus o del estilo cut/up, en este caso recibir los audios y trabajarlos, re-acomodar, re-enviar, y que alguien más haga lo mismo una y otra vez, como en un collage. El otro día platicando con un amigo en Veracruz sobre la novela de William Burroughs “La Revolución Electrónica”, pasamos cerca de unos árboles que estaban llenos de pájaros y el sonido era impactante, parecían gritos por la cantidad de aves, como en “The Birds” de Hitchcock, y pensábamos en la idea del libro que menciona la posibilidad de instalar speakers en los árboles. Lo interesante del concepto en relación al sonido e imagen es generar respuestas inmediatas en la cabeza, tengo que revisarlo de nuevo, lo exploré cuando tenía 18 años. Adoro el trabajo de Burroughs  y obviamente leí “Yonqui” y “El Almuerzo Desnudo” y todo ese material de sus inicios, pero en sí, me parece que toda su existencia es muy bella, como persona su vida es una obra de arte, jamás lo conocí pero la gente que sí me ha contado de la energía y de la cantidad de cosas que provocó, y claro, en la música experimental e industrial es una de las más grandes influencias.

Mucha gracias por tu tiempo y por la gran conversación Frederikke

Gracias a ti, jamás me había divertido tanto en una entrevista, la razón por la que regularmente rehusó a dar entrevistas es porque realizan las preguntas más raras que puedas imaginar, siempre es tipo; ¿cómo es ser una mujer en la escena indust… (risas).  Es la primera vez en muchos años que disfruto de una entrevista.    

Quiero Agradecer a Claudia Sandoval y a Gustavo Gil por hacer posible este encuentro.